Entrevistamos a Joaquín Croxatto, artista plástico argentino.

Joa­quín Cro­xat­to es­tu­dió Di­se­ño Grá­fi­co en la Uni­ver­sas de Bue­nos Ai­res y Ar­tes Vi­sua­les en la Uni­ver­si­dad Na­cio­nal de las Ar­tes. Ori­gi­na­rio de Ca­ba­lli­to, se mudó hace 4 años a Es­ta­dos Uni­dos para es­pe­cia­li­zar­se en Ar­tes Plás­ti­cas en la Liga de Es­tu­dian­tes de Arte de Nue­va York.

¿Qué fue lo que te lle­vó a es­tu­diar di­se­ño?
Pen­sé que el di­se­ño es­ta­ba más re­la­cio­na­do con la par­te ar­tís­ti­ca cuan­do, en reali­dad, pa­sás a for­mar par­te del sis­te­ma de pro­duc­ción sim­bó­li­ca y co­mu­ni­ca­cio­nal. En un pun­to creo que mu­chos ar­tis­tas de­be­rían es­tu­diar di­se­ño por­que te da un mon­tón de he­rra­mien­tas de pro­duc­ción, com­po­si­ti­vas y pro­yec­tua­les. Es un ex­plo­ra­ción cons­tan­te ante la ne­ce­si­dad de in­no­var y rein­ven­tar de acuer­do a un pú­bli­co.

¿Cuán­do de­ci­dis­te de­di­car­te al arte?
Toda la vida di­bu­jé. Pero hice el quie­bre cuan­do me di cuen­ta que no era algo que ha­cía por­que te­nía ga­nas, sino por­que era lo úni­co que me sa­lía. Fue ahí cuan­do de­ci­dí ha­cer lo me­jor que pu­die­ra con eso.

¿Cómo fue tu ex­pe­rien­cia en la UNA?
La pasé muy bien por la ener­gía de los jó­ve­nes; ha­bía chi­cos que eran ex­pre­sión pura… mu­cho ta­len­to y sin mie­do a nada. Tam­bién se daba de for­ma or­gá­ni­ca una in­ter­re­la­ción en­tre di­fe­ren­tes ar­tes. Todo era tan abier­to y caó­ti­co que por ahí sa­lías de un ta­ller de ce­rá­mi­ca y en­tra­bas a otro de di­bu­jo. De to­das for­mas, es­pe­ra­ba un en­tre­na­mien­to más pa­re­ci­do al que tuve des­pués en Nue­va York, con más con­te­ni­do teó­ri­co. La UNA es­ta­ba más orien­ta­da al arte con­tem­po­rá­neo y a mí lo que me in­tere­sa­ba era el im­pac­to vi­sual.

¿Cómo fue el in­gre­so a la Liga?
A la Liga pue­de en­trar cual­quie­ra. No te­nés ren­dir examen de in­gre­so… tam­po­co te dan tí­tu­lo. Man­tie­ne esos idea­les del si­glo XIX de de­mo­cra­ti­za­ción de la edu­ca­ción. Es un sis­te­ma me­dio co­mu­nis­ta, por­que to­dos los que es­tán tra­ba­jan­do en la es­cue­la tam­bién son ar­tis­tas. Este año fui mo­ni­tor de una cla­se y, a la vez que di­ri­gía al mo­de­lo y acon­di­cio­na­ba el set, po­día de­di­car­me a di­bu­jar.

¿Qué te apor­tó es­tu­diar en un es­pa­cio aca­dé­mi­co?
Es un en­tre­na­mien­to que te afi­la mu­chí­si­mo. Es­tás usan­do to­das tus he­rra­mien­tas al mis­mo tiem­po: com­po­si­ción de ima­gen en el es­pa­cio, ge­ne­ra­ción de efec­tos con ma­te­ria­les sen­si­bles y apli­ca­ción de di­fe­ren­tes téc­ni­cas. Es un am­bien­te muy pro­pi­cio para pro­du­cir arte por­que se res­pe­ta el es­pa­cio del otro y po­dés tra­ba­jar la con­cen­tra­ción. Es­tu­ve ro­dea­do de gen­te su­per ta­len­to­sa, de un ni­vel in­creí­ble. Te­nés mu­chas es­cue­las y pro­fe­so­res gro­sos, como Dan Thom­pson.

¿Cómo es vi­vir en Nue­va York?
Allá no está esa pre­sión so­cial que hay acá, ese te­mor a es­tar fue­ra de lí­nea. Na­die te da bola; po­dés po­ner­te un pa­ñal en la ca­be­za que no te van a de­cir nada. Es muy trash: te­nés un con­do­mi­nio de lujo al lado de un va­ga­bun­do.

¿Y el es­ce­na­rio ar­tís­ti­co?
Nue­va York está en cons­tan­te ebu­lli­ción. Hay tan­tos ar­tis­tas que se las tie­nen que in­ge­niar ar­man­do pop-up shows en ca­sas o lo­ca­les ce­rra­dos. Creo que eso fa­ci­li­ta que la gen­te se co­nec­te con su arte: si sos ve­cino pue­de que te sien­tas re­pre­sen­ta­do al com­par­tir reali­da­des si­mi­la­res.

Black Wo­man (2016)

¿Cómo ves la ver­sa­ti­li­dad de es­ti­los en un ar­tis­ta?
Creo que es una vir­tud den­tro del mer­ca­do co­mer­cial, pero como ar­tis­ta no es un don; es casi una mal­di­ción. Sig­ni­fi­ca que to­da­vía no te ga­nas­te tu es­ti­lo.

¿Te con­si­de­rás un ar­tis­ta?
Creo que es una es­pe­cie de pul­sión: casi que uno no eli­ge ser ar­tis­ta, te toca. Y fren­te a eso po­dés ha­cer lo que quie­ras. Es la pro­fe­sión más di­fí­cil por­que no te­nés nin­gún tipo de so­por­te: la so­cie­dad de con­su­mo de ma­sas no te ne­ce­si­ta ni te quie­re. Ya no exis­te el me­ce­nas: cuan­do lo que ha­cés deja de ser via­ble co­mer­cial­men­te, chau. Nues­tra pro­pia cul­tu­ra no nos está per­mi­tien­do te­ner el arte que me­re­ce­mos. Pero hay mu­chas co­sas para ha­cer des­de la auto-or­ga­ni­za­ción.

¿Cuál es tu ob­je­ti­vo como ar­tis­ta?
No ten­go un ob­je­ti­vo to­tal, sino que de­pen­de de cada pro­yec­to. Creo que no­so­tros como ar­tis­tas ha­ce­mos his­to­ria: va­mos mar­can­do hi­tos para mi­rar ha­cia atrás. Así como los desa­rro­llos tec­no­ló­gi­cos y cul­tu­ra­les pro­mue­ven el “pro­gre­so” o “evo­lu­ción hu­ma­na”, el arte tie­ne que exis­tir. Ca­ro­li­ne Woo­lard (EEUU), que hace pro­yec­tos co­mu­ni­ta­rios en­tre ar­tis­tas, dice que nues­tro tra­ba­jo de­be­ría exi­gir un sa­la­rio del Es­ta­do por­que nues­tra fun­ción es ha­cer del mun­do un lu­gar más in­tere­san­te.

En su ma­yo­ría tu obra cons­ta de re­tra­tos. ¿A qué lo atri­buís?
Tie­ne que ver con un mag­ne­tis­mo que me ge­ne­ra el ros­tro hu­mano. Pa­re­ci­do al amor a pri­me­ra vis­ta: ves a una per­so­na que te lle­ga a lo más pro­fun­do por cómo sus fac­cio­nes es­tán me­ticu­losa­men­te ar­ma­das. Las ca­ras tie­nen esa preg­nan­cia po­si­ble de cap­tar rá­pi­da­men­te. Para crear mis re­tra­tos tomo como re­fe­ren­cia per­so­nas que veo, fo­tos y has­ta cua­dros de otros ar­tis­tas.

¿Cómo es tu pro­ce­so?
Pri­me­ro hago bo­ce­tos de for­ma y co­lor, man­te­nien­do la in­ten­si­dad de la luz y de cada pig­men­to. Pien­so cómo se van a re­la­cio­nar en­tre sí los co­lo­res para ge­ne­rar de­ter­mi­na­do efec­to. Los bo­ce­tos de la se­rie “Re­tra­tos de luz y es­pa­cio”, por ejem­plo, me lle­va­ron un mes. Cuan­do ten­go todo pre­pa­ra­do, arran­co a pin­tar. Me le­van­to muy tem­prano, hago de­por­te para ac­ti­var el cuer­po y pin­to has­ta que se pone el sol. Es­tu­ve dos se­ma­nas para ha­cer cada obra de esa se­rie. Es un ejer­ci­cio de me­di­ta­ción y pa­cien­cia.

¿Cómo es tra­ba­jar con óleo?
La cua­li­dad del pig­men­to y la pin­tu­ra en sí son ma­ra­vi­llo­sas. Es el ma­te­rial que más per­du­ra en el tiem­po. Te­nés que sur­fear un poco, por­que no te­nés con­trol to­tal so­bre lo que ha­cés. Y, en ge­ne­ral, se ha­cen va­rias obras a la vez por­que lle­va mu­cho tiem­po.

¿Qué es lo más gra­ti­fi­can­te de ser ar­tis­ta?
Sin­ce­ra­men­te no pre­ten­do de la prác­ti­ca ar­tís­ti­ca una ex­pe­rien­cia gra­ti­fi­can­te. Lo tomo casi como un de­ber, una car­ga.

¿Cuál es el ma­yor desafío?
Ha­cer una obra maes­tra, que ge­ne­re una rup­tu­ra y se es­ta­blez­ca un hito para la hu­ma­ni­dad. Al­gu­nos lo ha­cen al fi­nal de su vida… otros al prin­ci­pio y no pue­den re­pli­car­lo.

St. Geor­ge Sla­ying Dra­gon (2016)

Des­cri­bi­te en tres pa­la­bras
Tra­ge­dia. Comedia/humor. Per­sis­ten­cia.

¿Qué te ins­pi­ra?
Más que nada, las ideas. Sue­lo leer teo­ría po­lí­ti­ca o es­té­ti­ca. Mi ins­pi­ra­ción no es vi­sual, pero sí ex­pe­ri­men­to el goce es­té­ti­co cuan­do veo algo que está bueno y me mo­ti­va sa­ber que es po­si­ble ha­cer co­sas así.

¿Te­nés al­gún pro­yec­to en cur­so?
Mi nue­vo pro­yec­to es so­bre el hom­bre como ser ideo­ló­gi­co. Ten­go mu­cho ma­te­rial que pide sa­lir pero to­da­vía no está del todo de­fi­ni­do. Pien­so de­jar los trián­gu­los y ha­cer algo más ex­pre­si­vo.

Re­co­men­da­cio­nes
Tres ar­tis­tas: Ca­ro­li­ne Woo­lard, Ali Ba­ni­sadr y Kerry Ja­mes Mars­hall.

Po­dés ver más del tra­ba­jo de Joa­quín en su web y Fa­ce­book.