Entrevista a Andi Landoni, artista plástica argentina.

Andi Lan­do­ni na­ció en Vi­lla San­ta Rita, Bue­nos Ai­res. Es­tu­dió en la Es­cue­la de Be­llas Ar­tes Ma­nuel Bel­grano y Di­se­ño Grá­fi­co en la UBA, don­de fue do­cen­te de Mor­fo­lo­gía 2 de la cá­te­dra Lon­gi­not­ti. En el 2016 ilus­tró su pri­mer li­bro: “El ár­bol de la vida” (An­to­ne­la de Alva, Edi­to­rial Gua­dal). For­mó par­te de mues­tras co­lec­ti­vas y pu­bli­ca­cio­nes edi­to­ria­les. Ac­tual­men­te asis­te a los ta­lle­res “Obra­dor” y Sobrino/Bruno a la vez que desa­rro­lla “In­ver­na­de­ro”; un pro­yec­to per­so­nal que con­ju­ga el con­cep­to du­cham­piano del “in­fra­le­ve” con la tem­po­ra­li­dad de las plan­tas.

¿Cómo es tu pro­ce­so de tra­ba­jo?
Soy mu­cho del ac­ci­den­te y de re­uti­li­zar… es muy caó­ti­co. El ha­cer ge­ne­ra una cons­tan­te trans­for­ma­ción y re­tro­ali­men­ta­ción. Para mí la pos­ta está en el pro­ce­so, más allá de cómo se ma­te­ria­li­ce la obra. Lo que ha­cés para lle­gar a ese lu­gar.

¿Qué sig­ni­fi­can esas no­tas men­ta­les que di­bu­jás?
Para mí di­bu­jar es un es­pa­cio de trans­for­ma­ción, de li­ber­tad y de sa­na­ción. A ve­ces cuan­do es­toy en de­ter­mi­na­da si­tua­ción o pro­ce­san­do algo per­so­nal, me sir­ven como re­cor­da­to­rio o para ge­ne­rar ese espacio/tiempo en el que me gus­ta­ría vi­vir. Ese es el po­der de las imá­ge­nes; ser ca­paz de crear el mun­do que ten­gas ga­nas.

En tu obra ac­tual ge­ne­rás un cli­ma en­tre oní­ri­co y cós­mi­co. Los ele­men­tos pa­re­cen vi­brar en el lu­gar y a la vez se per­ci­ben como eté­reos. ¿Cómo lle­gás a este re­sul­ta­do?
Con la téc­ni­ca de es­fu­ma­do. Lo que hago es ca­lar for­mas en pa­pe­les que des­pués uso como ma­tri­ces. Tra­ba­jo con car­bón pren­sa­do, que es más po­wer que la car­bo­ni­lla. Fui apren­dien­do la ma­ne­ra de bo­rrar, la in­ten­si­dad al es­fu­mar y en qué mo­men­to ten­go que fi­jar. Pri­me­ro la­bu­ro los ple­nos o los fon­dos y des­pués ge­ne­ro las for­mi­tas. Hay un mo­men­to en que se em­pie­za a ha­cer un en­chas­tre, en­ton­ces fijo y sigo tra­ba­jan­do arri­ba. Lo que ya está fi­ja­do no se bo­rra tan­to; que­da su­til. Así se em­pie­zan a su­per­po­ner las ca­pas, crean­do trans­pa­ren­cias, som­bras y re­fle­jos. Re­sol­ver la for­ma des­de la téc­ni­ca y la ma­te­ria­li­dad me lla­ma más la aten­ción que ha­cer­lo des­de el co­lor.

¿De dón­de vie­nen esas fi­gu­ras que ca­lás?
Mi ami­ga Lau me ha­bló del con­cep­to “me­tá­fo­ra do­mi­nan­te”. Son esas co­sas que uno tien­de a re­pe­tir en el ha­bla o al di­bu­jar. Cier­tas imá­ge­nes que te iden­ti­fi­can por equis mo­ti­vo. Por un tiem­po fue­ron las ca­sas, en re­la­ción al ho­gar, el re­fu­gio y la ma­te­ria. En este mo­men­to es la na­tu­ra­le­za y los cua­tro ele­men­tos. Me atraen tam­bién los re­co­rri­dos, los te­rri­to­rios y los pai­sa­jes que uno ha­bi­ta. Qui­zá mi ma­ne­ra de com­po­ner ten­ga que ver con esa mi­ra­da más glo­bal. Soy más de las pa­no­rá­mi­cas y mu­chos ele­men­tos ais­la­dos, casi con la mis­ma je­rar­quía. Como uni­ver­sos o ma­pas.

Me pa­re­ce in­tere­san­te la fi­gu­ra del puen­te. Está des­con­tex­tua­li­za­da, como si fue­ra un per­so­na­je más. Pa­re­cie­ra una es­pe­cie de por­tal…
Esa ima­gen la em­pe­cé a ha­cer de ma­ne­ra in­cons­cien­te. En Mor­fo so­lía de­cir que el puen­te era el len­gua­je; lo que se ges­ta en­tre uno y lo que se ma­ni­fies­ta. Sien­to que es­toy en ese es­ta­do in­ter­me­dio en­tre un lu­gar y otro, en esa puer­ta que se tran­si­ta para lle­gar a des­tino.

La pa­la­bra es otro ele­men­to que apa­re­ce en tu obra. Ya sea den­tro del di­bu­jo o acom­pa­ñán­do­lo. ¿Qué re­la­ción te­nés con ella?
Po­der ato­mi­zar todo lo que me pasa en un par de pa­la­bras me tran­qui­li­za. Cuan­do pue­do nom­brar sien­to que real­men­te en­ten­dí lo que es­toy ha­cien­do y para qué. A ve­ces es al re­vés: la ima­gen vie­ne de la pa­la­bra. Creo que mi re­la­ción con el di­bu­jo y la ima­gen tie­ne que ver con las co­sas que no pue­do de­cir.¿Cómo te des­cri­bi­rías?
Ana­lí­ti­ca y con­tem­pla­ti­va. Vo­lá­til. Ver­sá­til.

¿Qué te ins­pi­ra?
La na­tu­ra­le­za. El au­to­co­no­ci­mien­to. El fe­mi­nis­mo. La mú­si­ca, la lec­tu­ra. No siem­pre es todo así… a ve­ces voy por la ca­lle, en­cuen­tro una ma­de­ra y la ten­go por un tiem­po. Más ta­bu­la rasa, más del ha­cer. Me ins­pi­ra ir a Easy. Es una ra­re­za pero en­cuen­tro co­sas re co­pa­das. Creo que es todo a la vez: tie­ne que ver mu­cho con el mo­men­to que es­tás vi­vien­do, el es­pa­cio que ha­bi­tás, con quién te es­tás re­la­cio­nan­do…

¿Qué es lo que te in­tere­sa de la tem­po­ra­li­dad de las plan­tas y cómo se re­la­cio­na con “In­ver­na­de­ro”?
Hay algo de re­fu­gio en la ob­ser­va­ción de la na­tu­ra­le­za –y es­pe­cí­fi­ca­men­te de las plan­tas–. Un es­pa­cio para po­der ob­ser­var y co­mu­ni­car­se des­de lo in­tui­ti­vo. Me di cuen­ta que me atrae el si­len­cio como ex­pre­sión de esa es­ca­la tem­po­ral di­fe­ren­te a la nues­tra. Me in­tere­sa tras­po­lar a mi la­bu­ro el es­pí­ri­tu de esta apa­ren­te de­ten­ción del tiem­po. Así fue que em­pe­cé a tra­ba­jar con la no­ción del in­ver­na­de­ro; ese es­pa­cio que se da en­tre pa­rén­te­sis, que ha­bi­ta en­tre una cosa y otra. Que es muy su­til, efí­me­ro… que casi no se ve. Las trans­pa­ren­cias y la su­per­po­si­ción de ca­pas tie­nen que ver con eso.

¿Cómo se­ría ese es­pa­cio en­tre una cosa y otra?
Algo apa­ren­te­men­te va­cío pero que está lleno de otras co­sas que no ve­mos a sim­ple vis­ta. El con­cep­to del “in­fra­le­ve” de Du­champ es lo que se ges­ta en el es­pa­cio en­tre una cosa y otra. Por ejem­plo, lo que su­ce­de cuan­do no­so­tras nos le­van­te­mos de este si­llón. Lo que que­de cuan­do ya no es­tés, cuan­do tras­pa­ses la puer­ta. Du­champ lo des­cri­be como lo que hay en­tre un cua­dro de Van Gogh y el pomo de pin­tu­ra. Todo el es­pa­cio que ha­bi­ta en­tre ese óleo y la obra fi­nal.

¿Por qué creés que es ne­ce­sa­rio que exis­ta el arte?
Pien­so que el arte, en cual­quie­ra de sus ma­ni­fes­ta­cio­nes, es un es­pa­cio de li­ber­tad. To­dos so­mos ar­tis­tas por­que la crea­ti­vi­dad se apli­ca a to­das las ins­tan­cias de la vida. Des­de ha­cer algo rico en la co­ci­na has­ta pin­tar un cua­dro. Es un link ha­cia un lu­gar muy pro­fun­do en cada uno. Ya sea que en­tien­das un mon­tón de arte o no en­tien­das nada; algo siem­pre te mue­ve. Si nun­ca aga­rras­te un lá­piz, po­ner­te a di­bu­jar ya te cor­ta con todo lo que ve­nías ha­cien­do. Ahí está el es­pa­cio de li­ber­tad.

¿Hay algo que qui­sie­ras ha­cer que no ha­yas he­cho?
Des­de lo téc­ni­co me gus­ta­ría ha­cer vi­sua­les; la­bu­rar en un diá­lo­go mú­si­ca-ima­gen. Y tam­bién con la luz. Des­de la es­ca­la, qui­sie­ra pin­tar un mu­ral.

¿Qué nos re­co­men­da­rías?
Arte mul­ti­di­men­sio­nal: Ma­ri­na De­ca­ro
Dos ta­lle­res: Obra­dor y Sobrino/Bruno
Un ar­tis­ta: Pa­blo Lapa
Mi es­cue­la: Mor­fo­lo­gía 2 Lon­gi­not­ti
El arte de co­mer sano y rico para quie­nes no sa­be­mos un pomo de co­ci­na: Kia­ko The Cook
Te­so­ro vir­tual de ima­ge­nes en­ci­clo­pé­di­cas: Bio­Di­vLi­brary
Un li­bro: El Ky­ba­lión

El vier­nes 17 de no­viem­bre a las 19 hs Andi es­ta­rá ex­po­nien­do su obra en la mues­tra co­lec­ti­va M/M del Ta­ller So­brino Bruno en Ga­le­ría Mo­ria (Apo­li­na­rio Fi­gue­roa 134).

» Podés seguir el trabajo de Andi por Facebook, Tumblr, Tumblr #2 e Instagram.