Llega fin de año y, como no podía ser de otra manera, hacemos nuestra recopilación de las mejores 10 obras vistas en el 2018. La elección es antojadiza y variada. Obras que se han destacado por su dramaturgia intensa, por sus puestas audaces, por abordar momentos trascendentales de nuestra historia, por actuaciones intensas, por el tratamiento de temas que movilizan a la sociedad actual. Cada una tiene lo suyo y, a su manera, consideramos que han resultado aportes muy interesantes para pensar el teatro como expresión artística fundamental para nuestra cultura.

1 — La Terquedad

La obra de Ra­fael Spre­gel­burd, con­ce­bi­da en el 2008 en el mar­co de la Bie­nal Frank­fur­ter Po­si­tio­nen, que en esa oca­sión ha­bía con­vo­ca­do a ar­tis­tas plás­ti­cos, ci­neas­tas y dra­ma­tur­gos para que in­ten­ta­ran di­lu­ci­dar una pre­gun­ta so­bre la hu­ma­ni­dad y sus avan­ces: “In­ven­tar la vida: ¿Por qué se pro­du­cen tan­tas in­no­va­cio­nes tec­no­ló­gi­cas que tien­den a que­rer ga­ran­ti­zar más vida, mien­tras que no pa­re­ce ha­ber nin­gún pro­gre­so en el ám­bi­to de la éti­ca?”.

Los tres ac­tos re­pre­sen­tan un mis­mo mo­men­to tem­po­ral vis­to des­de los tres pun­tos na­rra­ti­vos, dis­po­nien­do para tal fin di­fe­ren­tes ca­ras del es­ce­na­rio que se mue­ve en for­ma cir­cu­lar a tra­vés de un tiem­po ca­pri­cho­so e inasi­ble que va y vuel­ve. El fu­tu­ro y lo in­cier­to re­co­rren esta obra que trans­cu­rre en Va­len­cia y que ha­bla so­bre la nue­va con­cep­ción de mun­do que está de­jan­do el fin de la gue­rra ci­vil es­pa­ño­la.

Spre­gel­burd in­ter­pre­ta a Jau­me Planc, un co­mi­sa­rio de la po­li­cía va­len­cia­na que in­ven­ta una len­gua ar­ti­fi­cial uni­ver­sal a fi­nes de los años 30, en el epí­lo­go de la gue­rra. Es un fas­cis­ta que se en­mas­ca­ra de­trás de un pre­ten­di­do pro­yec­to hu­ma­nis­ta. Con la su­pues­ta in­ten­ción de ayu­dar a la hu­ma­ni­dad a co­mu­ni­car­se me­jor — como si ese fue­ra el con­flic­to, y no la lu­cha de cla­ses, la re­for­ma agra­ria, la pro­pie­dad y las di­fe­ren­tes ideo­lo­gías — lo­gra que una edi­to­rial pu­bli­que, bajo pre­sión, su fa­mo­so Dic­cio­na­rio de la Nue­va Len­gua. Tam­bién lo­gra que un tra­duc­tor ruso via­je es­pe­cial­men­te en­via­do por su go­bierno para co­no­cer el in­ven­to e in­ver­tir en él en caso de ser via­ble.

Al al­te­rar el có­di­go como me­dio a tra­vés del que se cons­tru­ye el men­sa­je, el co­mi­sa­rio al­te­ra la reali­dad. La Ter­que­dad es tiem­po frag­men­ta­do, un mo­men­to que se re­pi­te ha­cia el in­fi­ni­to, como así tam­bién po­de­mos ver esa re­pe­ti­ción cons­tan­te del con­flic­to en­tre fas­cis­mo y co­mu­nis­mo.

2 — ¿Me decís de mañana?

Una re­pre­sen­ta­ción del uni­ver­so fe­me­nino más ín­ti­mo con­ta­do des­de las pro­fun­di­da­des de un baño. 

Se tra­ta del re­co­rri­do de dos ami­gas por los re­cuer­dos de la in­fan­cia, la ado­les­cen­cia, la ju­ven­tud y la ve­jez. Ellas re­fle­xio­nan so­bre la vida mis­ma, tra­yen­do al pre­sen­te mo­men­tos de­ci­si­vos que que­da­ron mar­ca­dos. La abue­la ita­lia­na que daba con­se­jos, la otra abue­la que cui­da­ba a su nie­ta acró­ba­ta, un pa­dre au­sen­te, una ma­dre de­pre­si­va, ami­gos que de­ja­ron de ver­se, ex no­vios, re­la­cio­nes tor­men­to­sas, el ren­cor y la me­lan­co­lía. En un jue­go rít­mi­co que nun­ca de­cae, tran­si­tan el es­pa­cio es­ce­ni­fi­can­do cada evo­ca­ción en un lu­gar del toi­let­te.

To­dos los ob­je­tos son des­pla­za­bles e in­ter­cam­bia­bles, mos­tran­do así las dis­tin­tas eta­pas de sus vi­das. El inodo­ro, el bi­det, la ba­ñe­ra, es­pe­jos, bro­chas, casi todo tie­ne rue­das y pue­de mo­ver­se por el es­pa­cio. Son los ele­men­tos de to­dos los ba­ños que ellas han ha­bi­ta­do. Es­tos ma­te­ria­les to­man gran pro­ta­go­nis­mo por­que fa­ci­li­tan la na­rra­ción. Apo­ya­das en su ex­pe­rien­cia per­so­nal (una es bai­la­ri­na y la otra es acró­ba­ta), las ac­tri­ces po­nen en jue­go sus cuer­pos cons­tan­te­men­te, en in­ter­ac­ción con la es­ce­no­gra­fía, otor­gan­do de esta ma­ne­ra mu­cho aire y fle­xi­bi­li­dad a la pues­ta.

Le­jos de mos­trar­se im­po­ten­tes, dó­ci­les y pa­si­vas, es­tas mu­je­res abren las puer­tas de un mun­do com­ple­jo, desean­te, am­bi­guo, lleno de sím­bo­los y fan­ta­sías. He­ri­das y go­ces que ya no se tran­si­tan en el si­len­cio y la os­cu­ri­dad, sino que se es­ce­ni­fi­can y ex­po­nen.

¿Me de­cís de ma­ña­na? es un gran via­je por esas ins­tan­cias, sen­sa­cio­nes y emo­cio­nes; un via­je del vol­ver, del re­en­con­trar­se. Si pue­den re­gre­sar a cada uno de esos rin­co­nes es por­que al­gu­na vez pu­die­ron irse. 

3 — Electrico Carlos Marx

La obra na­rra un pro­ce­so en el que Marx aso­ma en el mun­do ac­tual y se deja sor­pren­der por lo que ve a su al­re­de­dor, la evo­lu­ción del sis­te­ma ca­pi­ta­lis­ta. El sub­tí­tu­lo de la obra es “tea­tro, en­sa­yo y apro­xi­ma­ción”, por lo tan­to, se plan­tea como una gran prue­ba es­cé­ni­ca.

En un es­pa­cio con sólo una si­lla, una gui­ta­rra, un per­che­ro y al­gu­nos otros ob­je­tos, una gran tela tras­lú­ci­da hace de me­dia­do­ra en­tre el es­ce­na­rio y el pú­bli­co. So­bre ella se pro­yec­tan twits de este pen­sa­dor y otros como En­gels y Ma­riá­te­gui. Una for­ma de traer­los al si­glo XXI y ha­cer­los dia­lo­gar con nues­tro pre­sen­te.

Ma­nuel San­tos Iñu­rrie­ta, ade­más de ser el dra­ma­tur­go y di­rec­tor, en­car­na en es­ce­na a Marx pero no se fun­de di­rec­ta­men­te con él. Para evi­den­ciar la dis­tan­cia, usa pe­lu­ca y bar­ba bur­da­men­te fal­sa, y ape­la al pac­to con el es­pec­ta­dor para creer en la ilu­sión. Lo abor­da a tra­vés del per­so­na­je de un pa­ya­so po­lí­ti­ca­men­te in­co­rrec­to. Es un hom­bre con pan­za, pan­ta­lón rojo y bom­bín, ca­mi­se­ta a ra­yas y un len­gua­je rio­pla­ten­se, que ho­me­na­jea a có­mi­cos na­cio­na­les. El tí­tu­lo de la obra cuen­ta esa le­ja­nía, Marx acá no es Karl sino Car­los.

En su con­di­ción de me­tá­fo­ra fan­tas­mal, el fi­ló­so­fo se per­mi­te to­dos los re­co­rri­dos y las li­cen­cias. Como ya está muer­to no pue­de vol­ver a mo­rir, y des­de esa pre­mi­sa enal­te­ce los idea­les re­vo­lu­cio­na­rios. En este sen­ti­do, la  poe­sía que va re­ci­tan­do le sir­ve como ele­men­to de dis­trac­ción para en­trar por las grie­tas del sis­te­ma ca­pi­ta­lis­ta. El ca­rác­ter lú­di­co y mu­si­cal de los poe­mas fa­ci­li­ta la me­mo­ri­za­ción, los poe­mas dan cuen­ta de un tra­ba­jo ar­te­sa­nal que nin­gu­na tec­no­lo­gía pue­de re­em­pla­zar. 

La obra, mez­cla de ca­tar­sis y de diá­lo­go con el es­pec­ta­dor exi­ge una es­cu­cha ac­ti­va y una en­tre­ga to­tal del otro lado del es­ce­na­rio. San­tos ha­bla rá­pi­do, se pre­gun­ta y se res­pon­de, in­ter­pe­la con su mi­ra­da pro­fun­da, no da so­lu­cio­nes sino que dis­pa­ra in­te­rro­gan­tes como fle­chas que van di­rec­to al ce­re­bro y al co­ra­zón. Si­guien­do la ló­gi­ca del tea­tro de Brecht, evi­ta el di­dac­tis­mo fá­cil y pro­mue­ve la pre­gun­ta cons­tan­te, me­dian­te el hu­mor irre­ve­ren­te y la co­mi­ci­dad cóm­pli­ce. Gui­ta­rra eléc­tri­ca en mano, San­tos se ríe de “lo mal que toco”, de la ne­ce­si­dad de que re­co­mien­den el es­pec­tácu­lo, in­tro­du­cien­do men­sa­jes que ex­pli­ci­ta como su­bli­mi­na­les ante la risa ge­ne­ral del pú­bli­co.

4 — Contra todo

Al in­gre­sar al es­pa­cio, el lu­gar se ase­me­ja a esas pe­lí­cu­las apo­ca­líp­ti­cas de ciu­da­des arra­sa­das. Las pa­re­des es­tán lle­nas de gra­fi­tis y res­tos de afi­ches. En el cen­tro del fon­do de es­ce­na­rio, una enor­me cruz cris­tia­na bri­lla con sus lu­ces fluo­res­cen­tes. So­bre ella des­can­sa un ac­tor que re­pre­sen­ta a Je­sús. La fra­se es­cri­ta en un la­te­ral de la es­ce­na sin­te­ti­za el tema de la obra: “La re­vo­lu­ción es un sue­ño eterno”.

Aque­lla cita del es­cri­tor ar­gen­tino An­drés Ri­ve­ra, en el con­tex­to de la pues­ta, re­fie­re a un mun­do ac­tual que ha sido atra­ve­sa­do por mu­chas re­vo­lu­cio­nes, sa­cu­do­nes, ca­tás­tro­fes am­bien­ta­les y dra­mas so­cia­les. Lo úni­co que pa­re­ce no ha­ber lle­ga­do es la re­vo­lu­ción en­ten­di­da en tér­mi­nos so­cia­lis­tas.

Los ca­tor­ce ac­to­res, que se man­tie­nen casi cons­tan­te­men­te en es­ce­na, nos lle­van de via­je por bue­na par­te del si­glo XX y los co­mien­zos del si­glo XXI.

Se bur­lan de la re­vo­lu­ción en for­ma de con­sig­na. Ha sido coop­ta­da por el mar­ke­ting y va­cia­da de con­te­ni­do. Des­de la “re­vo­lu­ción de la ale­gría”, has­ta la re­vo­lu­ción de la ayu­da hu­ma­ni­ta­ria como for­ma de vida de los fa­mo­sos, como mues­tra de to­le­ran­cia y po­de­río. Tam­bién la re­vo­lu­ción de­mo­crá­ti­ca que ge­ne­ra la ilu­sión de par­ti­ci­pa­ción gra­cias a la po­si­bi­li­dad que te­ne­mos de vo­tar (en es­ce­na, mu­chas de­ci­sio­nes de la pues­ta se in­ten­tan lle­var a vo­ta­ción).

Al igual que Ber­told Brecht, la dra­ma­tur­ga y di­rec­to­ra Ma­rie­la Asen­sio hace uso del di­dac­tis­mo con can­cio­nes que de­nun­cian. Con ins­crip­cio­nes en la ves­ti­men­ta que na­rran por sí mis­mas, una ilu­mi­na­ción pre­ci­sa que pone el foco don­de debe ob­ser­var el es­pec­ta­dor a cada mo­men­to, el uso de con­sig­nas y fra­ses pro­pias de los jó­ve­nes para in­cen­ti­var el in­te­rés de quien mira, y mu­cho hu­mor.

La obra se pro­po­ne dar cuen­ta de dos cues­tio­nes fun­da­men­ta­les. Por un lado, de la ne­ce­si­dad del su­je­to de com­pren­der que se en­cuen­tra su­je­to. Y por el otro, par­tien­do de esa reali­dad, in­ten­ta rom­per con la iden­ti­fi­ca­ción de aque­llos lu­ga­res y re­la­tos que cree­mos fir­mes y des­de los cua­les enun­cia­mos nues­tros dis­cur­sos.

5 — Vientre, el hueco de donde venimos

Se  tra­ta de un re­co­rri­do có­mi­co y crí­ti­co por la his­to­ria de las mu­je­res la­ti­noa­me­ri­ca­nas si­len­cia­das y opri­mi­das, para sa­car­las a la luz y de­vol­ver­les su lu­gar en la tie­rra.

En el cen­tro de la es­ce­na hay un gran ataúd. Dos se­pul­tu­re­ros, pala en mano, ofi­cian de na­rra­do­res  y co­men­ta­do­res de los su­ce­sos que ve­re­mos a con­ti­nua­ción. Es­ta­mos fren­te a un ce­men­te­rio del que re­sur­gi­rán, a lo lar­go de la poco más de una hora de du­ra­ción del es­pec­tácu­lo, las his­to­rias de mu­je­res anó­ni­mas y no tan­to, que pi­den a gri­tos ser con­ta­das.

Así, in­ten­tan mos­trar que la his­to­ria se ha re­gi­do des­de el prin­ci­pio por una je­rar­quía de po­der. Por eso co­mien­zan la na­rra­ción por el ori­gen de los tiem­pos. Eva fue crea­da a par­tir de una de las cos­ti­llas de Adán para ser su­ble­va­da por toda la eter­ni­dad, y lue­go ex­pul­sa­da del pa­raí­so por arras­trar a su es­po­so al pe­ca­do. Des­de que a la en­ti­dad Dios se le puso un gé­ne­ro, se le puso tam­bién un sexo, y con esto una su­pre­ma­cía de de­re­cho al hom­bre en re­la­ción con la mu­jer. Mo­men­to su­ma­men­te di­dác­ti­co y có­mi­co en la obra, por­que uno de los se­pul­tu­re­ros re­pre­sen­ta a Adán ves­ti­do sólo con una hoja que no deja nada li­bra­do a la ima­gi­na­ción.

Más que una obra tea­tral, la pro­pues­ta con dra­ma­tur­gia de Ga­briel Gra­ves y Mar­cos Arano, y di­ri­gi­da por este úl­ti­mo, es un ri­tual, un car­na­val có­mi­co y fe­roz en el que los per­so­na­jes desafían el or­den es­ta­ble­ci­do, ayu­da­dos por las más­ca­ras, la mú­si­ca y el can­to.

El es­pec­tácu­lo he­cha com­bus­ti­ble al hue­co que se ha in­ten­ta­do his­tó­ri­ca­men­te ta­par, abrien­do más ese abis­mo in­fi­ni­to de la tie­rra que dio a luz a mu­je­res em­po­de­ra­das, que cons­tru­ye­ron na­cio­nes. Una frac­tu­ra que res­que­bra­ja sin re­torno el or­den de un mun­do tan apa­ren­te­men­te inal­te­ra­ble.

6 — J. Timerman

Nue­va crea­ción de Eva Ha­lac para este 2018, que for­ma par­te de un ci­clo de obras que la dra­ma­tur­ga ha dado en lla­mar fic­cio­nes reales. En esta nue­va pro­pues­ta, abor­da al mí­ti­co crea­dor del dia­rio La Opi­nión Ja­co­bo Ti­mer­man, y a su al­ter ego, el Ge­ne­ral Ale­jan­dro La­nus­se.

La ac­ción trans­cu­rre ha­cia fi­na­les de 1971, mo­men­to en el que la hija del ge­ne­ral está por con­traer ma­tri­mo­nio con un im­por­tan­te can­tau­tor de la épo­ca. Los pre­pa­ra­ti­vos del even­to se mez­clan con las lu­chas po­lí­ti­cas, la bús­que­da del po­der fren­te al pue­blo, el ofi­cio pe­rio­dís­ti­co, los con­flic­tos eco­nó­mi­cos, etc.

La con­cep­ción de esta reali­dad fic­cio­na­li­za­da está re­for­za­da, des­de la pues­ta en es­ce­na, por la idea de un uni­ver­so po­lí­ti­co la­be­rín­ti­co y a me­dio ha­cer­se. La dé­ca­da del ’70 en­cie­rra una uto­pía co­lec­ti­va que ha mar­ca­do la his­to­ria. Los sue­ños y as­pi­ra­cio­nes de la ju­ven­tud de la épo­ca, el de­seo de una re­vo­lu­ción po­lí­ti­ca y so­cial, la fi­gu­ra del Che Gue­va­ra con­ver­ti­do en un hé­roe mí­ti­co, el so­cia­lis­mo y la lu­cha ar­ma­da afi­nes a La Opi­nión, en­tran a ju­gar como cir­cuns­tan­cias que in­fluen­cian la tra­ma.

Ha­lac jue­ga con el lí­mi­te en­tre per­so­na y per­so­na­je. ¿Ja­co­bo Ti­mer­man fue real­men­te como el hom­bre que ve­mos en es­ce­na? ¿El agen­te de la CIA, a car­go de la se­gu­ri­dad del ca­sa­mien­to, fue real­men­te el ase­sino del Che Gue­va­ra? ¿Exis­tió una re­la­ción tan cer­ca­na en­tre el em­pre­sa­rio pe­rio­dís­ti­co y La­nus­se? ¿Pudo un sim­ple pe­rio­dis­ta in­fil­trar­se en un even­to so­cial su­ma­men­te cus­to­dia­do en esa épo­ca?

El po­der de la fic­ción in­va­de la reali­dad. J. Ti­mer­man su­gie­re que la reali­dad es po­si­ble de ser com­pren­di­da  a par­tir de un re­la­to fic­cio­nal. Si la reali­dad es aprehen­di­da en tan­to que se re­cor­ta, y todo re­cor­te es ya fic­ción, ¿no es­ta­mos aca­so ca­mi­nan­do en una gran te­la­ra­ña que nos re­la­tan?

7 — Yo, Encarnación Ezcurra

So­bre los úl­ti­mos años de su vida, En­car­na­ción Ez­cu­rra (1795–1838) hace un re­pa­so lú­ci­do y des­ga­rra­do so­bre su lu­gar en el pro­yec­to de cons­truc­ción de la pa­tria. Esta obra de tea­tro, es­cri­ta por Cris­ti­na Es­co­fet, mues­tra que esta mu­jer, mu­cho más que la es­po­sa de Juan Ma­nuel de Ro­sas, fue su es­tra­te­ga po­lí­ti­ca y su guía.

En un re­la­to in­ti­mis­ta ve­mos a la mu­jer de mil ca­ras, que al­ber­ga­ba en su cuer­po un mis­te­rio per­pe­tuo. A ca­ba­llo en­tre la rec­ti­tud, el cuer­po sal­va­je, los de­li­ca­dos mo­da­les y el pelo re­bel­de, sus ca­de­ras van con­tan­do su pa­sa­do al com­pás de la mú­si­ca de Agus­tín Flo­res Mu­ñoz y Mar­tín Mi­co­ni, acom­pa­ña­dos de la voz de Ma­le­na Zuel­ga­ray.

Com­pren­dien­do que el po­der ja­más se­ría suyo por su con­di­ción de mu­jer, En­car­na­ción se cons­ti­tu­yó en mapa vi­vien­te del pro­yec­to de su ma­ri­do. Fue su guía en las no­ches más os­cu­ras, la guar­dia­na del te­so­ro fe­de­ral.

El ac­cio­nar de Ez­cu­rra en el in­te­rior de la casa, en el ima­gi­na­rio que cons­tru­ye el di­rec­tor An­drés Baz­za­lo, per­mi­te leer una in­ver­sión en la re­le­van­cia sim­bó­li­ca del ho­gar como es­pa­cio fe­me­nino. Allí den­tro En­car­na­ción se va­lió de la ayu­da de sus cria­das para es­cu­char de­trás de las pa­re­des, leer los la­bios ce­rra­dos de las da­mas uni­ta­rias, des­cu­brir far­san­tes den­tro de sus co­la­bo­ra­do­res y ejer­cer el po­der cuan­do fue­ra ne­ce­sa­rio.

8 — A la buena de Dios

Es­te­la se que­ja, re­fun­fu­ña. Está can­sa­da, quie­re to­mar el ca­mino has­ta la es­ta­ción de ser­vi­cio que vió hace unos ki­ló­me­tros. Pero So­fía se nie­ga a mo­ver­se de al lado del auto, con­fía en que irán en su res­ca­te.

Des­de el co­mien­zo ve­mos en ellas dos per­so­na­li­da­des to­tal­men­te opues­tas, la her­ma­na pe­que­ña, re­bel­de y as­tu­ta, con­tra la her­ma­na del me­dio, la te­me­ro­sa y de poco ca­rác­ter. Son co­man­da­das por Ama­lia, la her­ma­na ma­yor. Mu­jer fuer­te, se­ve­ra pero jus­ta, y su­ma­men­te re­li­gio­sa. El ni­vel de fa­na­tis­mo re­li­gio­so es di­rec­ta­men­te pro­por­cio­nal a sus eda­des. Ama­lia se ins­pi­ra en la so­li­da­ri­dad y el amor al pró­ji­mo, mien­tras que en So­fía se ma­ni­fies­ta a tra­vés de la cul­pa, y Es­te­la atra­vie­sa el cues­tio­na­mien­to de cier­tas re­glas que con­si­de­ra ab­sur­das, como que el lar­go de po­lle­ra la hará más o me­nos cer­ca­na a Dios.

Las tres se­ño­ri­tas es­tán per­di­das en una ruta in­hós­pi­ta de Ca­ta­mar­ca, se que­da­ron sin com­bus­ti­ble y So­fía leyó mal el mapa. Oriun­das de Men­do­za, se di­ri­gían al nor­te para en­tre­gar do­na­cio­nes en la igle­sia de Ju­lián, un cura ami­go. Os­cu­re­ce mien­tras dis­cu­ten el plan al se­guir. Fi­nal­men­te de­ci­den que­dar­se a dor­mir en el auto has­ta el ama­ne­cer para po­der sa­lir a pe­dir ayu­da.

A la bue­na de Dios, tex­to de Juan Ig­na­cio Fer­nán­dez, se ubi­ca en los años ’70 en una pro­vin­cia re­gi­da por el ne­po­tis­mo, con ca­rac­te­rís­ti­cas casi feu­da­les, en la que las fá­bu­las mo­ra­les sir­ven para alec­cio­nar al pue­blo. Ju­lián es par­te de lo que lue­go se co­no­ció como el mo­vi­mien­to de los sa­cer­do­tes ter­cer­mun­dis­tas la­ti­noa­me­ri­ca­nos, que im­pul­sa­ron una nue­va for­ma de ver a la igle­sia, uni­da al pue­blo, y no como un ente su­pe­rior que daba sus mi­sas en la­tín.

Uno de los pun­tos más in­tere­san­tes de la obra es que los per­so­na­jes fe­me­ni­nos es­tán in­ter­pre­ta­dos por hom­bres y los mas­cu­li­nos por mu­je­res. Un gran acier­to de la di­rec­to­ra Ta­tia­na San­ta­na, para po­ner so­bre el es­ce­na­rio esta his­to­ria con­mo­ve­do­ra. El in­ter­cam­bio de gé­ne­ros per­mi­te pro­fun­di­zar en el cho­que de mun­dos que re­pre­sen­ta la obra. Dos uni­ver­sos con­tra­pues­tos que se cru­zan de ca­sua­li­dad para in­fluir irre­me­dia­ble­men­te uno en otro. Las her­ma­nas lo­gra­rán cues­tio­nar su con­cep­to de éti­ca y mo­ral y su va­len­tía, abrien­do los ojos ante una reali­dad po­lí­ti­ca y so­cial que has­ta en­ton­ces les re­sul­ta­ba bas­tan­te aje­na. Mien­tras que la pos­tu­ra ra­di­cal del pe­rio­dis­ta se de­ja­rá in­fluir por la ter­nu­ra y trans­pa­ren­cia de las mu­je­res.

9 — Ruido Blanco

Un jo­ven mú­si­co re­ci­be una beca del Cen­tro de ex­pe­ri­men­ta­ción mu­si­cal para via­jar a la An­tár­ti­da. Allí de­be­rá com­po­ner y gra­bar so­ni­dos para su pro­yec­to. De un día para el otro se ve le­jos de su fa­mi­lia y de su ban­da. Ale­ja­do de su há­bi­tat na­tu­ral, y arro­ja­do a un lu­gar inós­pi­to y si­len­cio­so, el jo­ven se en­con­tra­rá con los so­ni­dos de sus pro­pios pen­sa­mien­tos y emo­cio­nes.

Un via­je ini­ciá­ti­co al modo del Ro­man­ti­cis­mo, que veía en este tipo de re­co­rri­dos una aven­tu­ra de co­mien­zo y tras­cen­den­cia para el ser hu­mano, en con­tra­po­si­ción con las con­ve­nien­cias y co­mo­di­da­des del mun­do mo­derno que es­ta­ban aso­man­do. La obra de Fran­co Ca­llu­so jue­ga con ese ima­gi­na­rio y, del mis­mo modo, se per­mi­te ir a con­tra­co­rrien­te ex­plo­ran­do un uni­ver­so poco vi­si­ta­do en la dra­ma­tur­gia con­tem­po­rá­nea: el com­ple­jo víncu­lo del hom­bre con la na­tu­ra­le­za en el con­ti­nen­te an­tár­ti­co.

Allí San­tia­go, el pro­ta­go­nis­ta, se ins­ta­la, pasa frío, tie­ne el ho­ra­rio cam­bia­do, se abu­rre, no lo­gra ins­pi­rar­se, mien­tras es pre­sio­na­do por la di­rec­to­ra del Cen­tro de ex­pe­ri­men­ta­ción para que en­tre­gue avan­ces con­cre­tos. Para pa­liar la so­le­dad y la fal­ta de ins­pi­ra­ción, se reúne con otro be­ca­rio, un cien­tí­fi­co ruso que le en­tre­ga a prés­ta­mo la foca que está es­tu­dian­do. Men­ción apar­te me­re­ce el ex­ce­len­te tra­ba­jo de la ac­triz Ro­sal­ba Men­na, quien in­ter­pre­ta a los tres per­so­na­jes (di­rec­to­ra, bió­lo­go y foca) casi ex­clu­si­va­men­te a par­tir de cam­bios en el ha­bla y pe­que­ños mo­vi­mien­tos que mar­can el tras­pa­so en­tre uno y otro. Y con gran co­mi­ci­dad fí­si­ca cons­tru­ye un ani­mal en­tra­ña­ble en sus ra­re­zas.

Una pro­pues­ta muy ori­gi­nal en la que el víncu­lo en­tre un hom­bre y un ani­mal nos hace re­fle­xio­nar so­bre la pro­duc­ción ar­tís­ti­ca. La ins­pi­ra­ción, la cons­tan­cia y la in­cer­ti­dum­bre en un be­ca­rio que bus­ca la crea­ción per­fec­ta.

10 — La sala roja

An­tes del in­gre­so de los ni­ños, la sala roja abre sus puer­tas para una reunión de pa­dres. Se los con­vo­ca para tra­tar los te­mas pen­dien­tes: el uni­for­me, el re­ti­ro de los chi­cos, el fes­te­jo de cum­plea­ños y los re­ga­los, las ac­ti­vi­da­des es­co­la­res. Tí­mi­da­men­te se acer­can los pro­ge­ni­to­res y co­mien­zan a dia­lo­gar, mien­tras es­pe­ran la lle­ga­da de la di­rec­to­ra del jar­dín, una es­pe­ra que se pro­lon­ga­rá has­ta el fi­nal del en­cuen­tro.

La sala roja, es­cri­ta y di­ri­gi­da por Vic­to­ria Hla­di­lo, hace del jar­dín de in­fan­tes una mues­tra en mi­nia­tu­ra de las mi­se­rias de los adul­tos, que se agu­di­za por la con­di­ción de en­cie­rro en la que se ven en­vuel­tos. La reunión debe cum­plir­se de cual­quier ma­ne­ra y na­die pue­de sa­lir has­ta que no se to­quen to­dos los te­mas. En ese es­pi­ral de ten­sión cre­cien­te, cada uno va mos­tran­do su lado os­cu­ro. Se pre­sio­nan unos a otros, se chi­ca­nean, se chan­ta­jean, for­man alian­zas y ban­dos.

La gue­rra de pa­dres se desata y con ella la co­mi­ci­dad tie­ne rien­da suel­ta. El in­ten­to fa­lli­do de rea­li­zar una ac­ti­vi­dad con­jun­ta es real­men­te desopi­lan­te. El ele­fan­te que tie­nen que ar­mar con una caja de car­tón, car­tu­li­nas y mar­ca­do­res, re­pre­sen­ta la di­fi­cul­tad del tra­ba­jo co­lec­ti­vo, en tan­to las ex­pec­ta­ti­vas in­di­vi­dua­les es­tán por en­ci­ma del gru­po. Sus dis­tin­tas con­cep­cio­nes del rol de la pa­ter­ni­dad y la ma­ter­ni­dad (los que se pre­ten­den mo­der­nos y des­preo­cu­pa­dos vs los ob­se­si­vos y con­tro­la­do­res) im­po­si­bi­li­ta el en­cuen­tro sin­ce­ro,  mi­rar­se a los ojos y re­en­con­trar­se en sus erro­res y acier­tos.